El artículo propone dar una interpretación a la importante atención que ha recibido la arquitectura chilena contemporánea, a través de cuatro debates que fundamentan, en parte, la calidad de las obras como las innovadoras soluciones programáticas, espaciales y materiales que se pueden observar en veinte años de trayectoria. La revisión acuciosa de revistas disciplinares chilenas e internacionales otorga un panorama para fundamentar la propuesta teórica, que reordena una visión crítica sobre el desarrollo de obras y autores. Así, la excepcionalidad de la arquitectura chilena es puesta en perspectiva, por conceptos que explican estrategias arquitectónicas comunes: Manifiestos, Monomaterial, Refundación y Paisaje. Estos cuatro conceptos refieren específicamente a grupos de obras que logran encontrar un sentido más allá de la solución específica de cada edificio, y proponen entender lógicas comunes que fundamentan y le dan un sentido más amplio a la producción contemporánea. The article proposes to give an interpretation to the important attention that the contemporary Chilean architecture has received, through four debates that base, in part, the quality of the works as the innovative programmatic, spatial and material solutions that can be observed, in twenty years of experience. The careful review of Chilean and international disciplinary journals gives an overview to support the theoretical proposal, which reorders a critical view on the development of works and authors. Thus the exceptionality of Chilean architecture is put into perspective, by concepts that explain common architectural strategies: Manifestos, Monomaterial, Refund and Landscape. These four concepts specifically refer to groups of works, which manage to find meaning beyond the specific solution of each building, and proposes to understand common logics that underlie and give a broader sense to contemporary production.

El texto trata de establecer una relación entre pintura y arquitectura dentro del espacio arquitectónico. El escrito entabla vínculos entre el programa de taller en el edificio proyectado por Josep Lluís Sert y la actividad de pintar de Joan Miró en el estudio de Son Abrines y Son Boter en Mallorca. Uno de los motivos por los que la pintura occidental se conforma por si misma, desde Giotto hasta Picasso por ejemplo, son las relaciones entre espacio y uso que el propio lienzo muestra. Cualquier pintura de la época trata de presentar el misterio de un acontecimiento mediante el contenido pictórico. Son estas relaciones el motivo que muchas veces llevaba al pintor a desarrollar un cuadro. En el caso del estudio proyectado por Sert para Miró, la investigación trata de conjugar espacio de trabajo y espacio de la pintura desde una interpretación a la pintura sin abandonar el espacio en la que es gestada. El fin es revelar o mostrar interpretaciones sobre dos programas característicos del siglo XX: vivienda y taller de pintura; desde un análisis concreto entorno a Joan Miró y Josep Lluís Sert. The text establishes relationships between painting and architecture in the architectural space. The writing creates links between space designed by Josep Lluís Sert and painting activity that Joan Miró performed in the building Son Abrines in Mallorca. One of the reasons why painting in Europe is shaped by itself, from Giotto to Picasso for example, is the relationship between space and use that canvas itself shows. Any painting of the time comes to present the mystery of an event by a pictorial content. Relations between space and use represented are the reason that often led the painter to develop a picture. In the case the study designed by Sert for Miró, the motive for research is to combine the work space and the space of painting from an interpretation to the painting without leaving the space which is gestated. The purpose is to reveal or display the contents of two distinctive programs of the twentieth century: housing and paint shop, from a concrete analysis environment Joan Miró and Josep Lluís Sert.

La casa de Halldor Gunnløgsson, una de las obras más refinadas de la Edad de Oro de la arquitectura moderna danesa, es el resultado de una fuerte voluntad y disciplina artística personal. La cubierta plana, suspendida sobre una gran plataforma pavimentada –que continúa la construcción del lugar– tiene una gran presencia. En el interior, un espacio único, fluye libremente y se extiende al paisaje. Hay una extraordinaria sofisticación de la construcción vernácula; y una fuerte conexión con la arquitectura tradicional japonesa, revelada por el deseo de vivir en estrecho contacto con la naturaleza, la búsqueda del refinamiento mediante la moderación, la eliminación de los elementos superfluos y la preocupación por la luz y la sombra –estableciéndose un paralelismo con el oscuro invierno nórdico. Su característica abstracción es un ejemplo de modernidad. El edificio se acerca a la belleza clásica, por la aparición de proporción, simetría y orden, pero también por el tratamiento suave de las superficies de los materiales. Se reconoce un ritmo en diferentes dimensiones. Se valora la escala. Los colores aplicados o inherentes al material, alcanzan intensidad. La experiencia del espacio arquitectónico es global. Es una casa mágica y maravillosa. Halldor Gunnløgsson´s own house, one of the most refined works of the Golden Age of modern Danish architecture, is the result of a strong will and personal artistic discipline. The detached flat roof suspended above a large paved platform –itself continuing the construction of the place– has great presence. In the interior, a single space, flows freely and extends to the landscape. There is an extraordinary sophistication of vernacular building; and a strong connection with traditional Japanese architecture, revealed by the desire of living in close contact with nature, the pursuit for refinement through moderation, the elimination of unnecessary items and the preoccupation with light and shade, where a parallel with the dark world of the Nordic winter is established. Its characteristic abstraction is an example of modernity. The building approaches to the classic beauty, by the proportions, the appearance of symmetry and order, but also for the soft treatment of the surfaces of materials. Rhythm is recognized in different dimensions. Scale is valued. Colors applied or inherent in the material, reach intensity. The experience of the architectural space is global. It is a magical and wonderful house.

“Minka” significa literalmente “casas de la gente” en japonés, y se refiere a la casa tradicional japonesa construida fundamentalmente desde las épocas más antiguas hasta finales del siglo XIX. Se trata de construcciones sencillas y ligeras hechas habitualmente con elementos de madera, bambú, y paja, unidos por juntas de madera y cuerdas. Las regiones montañosas de Shirakawa-go y Gokayama, en la zona central de Japón, al Oeste de Tokio, permanecieron aisladas durante un largo periodo de tiempo. Como consecuencia de ello, allí se desarrolló un tipo específico de minka, las llamadas Gassho-zukuri, caracterizadas por el uso de un sistema extremadamente lógico y racional en su construcción resultado de una adaptación natural a las difíciles condiciones del entorno. Construidas como estructuras permanentes, estas casas tradicionales son sin embargo desmontables: sus distintos componentes permiten ser desarmados, recuperados y ensamblados de nuevo sin mayor dificultad. El alto potencial de desmontaje contenido en estas pequeñas construcciones invita a reflexionar acerca de las pautas proyectuales y constructivas presentes en sus soluciones que podrían ser recuperadas y aplicadas en propuestas actuales que integraran el desmontaje, la recuperación y el traslado de todo el objeto construido como factor clave para un diseño arquitectónico sostenible. The Japanese term “minka” literally means “houses of the people”, and refers to the traditional Japanese dwellings built from the ancient eras up to the mid 19th century. These simple and lightweight houses were commonly made by bamboo, straw and wooden elements, all connected together with wooden joints or ropes. Shirakawa-go and Gokayama regions, in the central area of Japan, west to Tokyo, were isolated for a long period. As a result, a specific type of minka, the Gassho-zukuri, was developed there. Its main feature is the use of an extremely logical and rational construction system as a result of the natural adaptation to the harsh conditions of the environment. Despite being built as permanent structures, these traditional houses are indeed removable: their different components can be disassembled, reused and reassembled without any difficulty. The high potential of disassembly contained in these small constructions invites to reflect on the projective and constructive guidelines found in their solutions that could be recovered and applied to current proposals in order to integrate the disassembly, recovery and transfer of the entire building object as a key factor in a sustainable architectural design.

“Minka” significa literalmente “casas de la gente” en japonés, y se refiere a la casa tradicional japonesa construida fundamentalmente desde las épocas más antiguas hasta finales del siglo XIX. Se trata de construcciones sencillas y ligeras hechas habitualmente con elementos de madera, bambú, y paja, unidos por juntas de madera y cuerdas. Las regiones montañosas de Shirakawa-go y Gokayama, en la zona central de Japón, al Oeste de Tokio, permanecieron aisladas durante un largo periodo de tiempo. Como consecuencia de ello, allí se desarrolló un tipo específico de minka, las llamadas Gassho-zukuri, caracterizadas por el uso de un sistema extremadamente lógico y racional en su construcción resultado de una adaptación natural a las difíciles condiciones del entorno. Construidas como estructuras permanentes, estas casas tradicionales son sin embargo desmontables: sus distintos componentes permiten ser desarmados, recuperados y ensamblados de nuevo sin mayor dificultad. El alto potencial de desmontaje contenido en estas pequeñas construcciones invita a reflexionar acerca de las pautas proyectuales y constructivas presentes en sus soluciones que podrían ser recuperadas y aplicadas en propuestas actuales que integraran el desmontaje, la recuperación y el traslado de todo el objeto construido como factor clave para un diseño arquitectónico sostenible. The Japanese term “minka” literally means “houses of the people”, and refers to the traditional Japanese dwellings built from the ancient eras up to the mid 19th century. These simple and lightweight houses were commonly made by bamboo, straw and wooden elements, all connected together with wooden joints or ropes. Shirakawa-go and Gokayama regions, in the central area of Japan, west to Tokyo, were isolated for a long period. As a result, a specific type of minka, the Gassho-zukuri, was developed there. Its main feature is the use of an extremely logical and rational construction system as a result of the natural adaptation to the harsh conditions of the environment. Despite being built as permanent structures, these traditional houses are indeed removable: their different components can be disassembled, reused and reassembled without any difficulty. The high potential of disassembly contained in these small constructions invites to reflect on the projective and constructive guidelines found in their solutions that could be recovered and applied to current proposals in order to integrate the disassembly, recovery and transfer of the entire building object as a key factor in a sustainable architectural design.

Con la intención de rescatar y revalorizar espacios abandonados y ruinas modernas, repensando la relación entre lugar y memoria, se propone la idea de antimonumento, que intenta responder a la necesidad actual de posicionarse de una manera diferente ante los paisajes de la contemporaneidad. Los anti-monumentos son las “nuevas ruinas”, estructuras abandonadas que quedan obsoletas debido a su disfuncionalidad con el paso del tiempo. La mudanza en los sistemas sociales y de producción y la crisis económica de nuestro tiempo produce la proliferación de estos espacios singulares, paradoxales y cargados de significados, pero que funcionan de manera opuesta al monumento, deconstruyendo la idea del mismo. Al contrario que un monumento, que evoca un tiempo pasado, el anti-monumento es más bien el reflejo de un –apocalíptico– proceso futuro. En el anti-monumento el tiempo y la memoria se reinterpretan conforme a los nuevos códigos de lectura del lenguaje contemporáneo. Mientras que la memoria del monumento refiere a un ideal y/o una utopía formada por el imaginario de los grandes acontecimientos de la civilización, en el anti-monumento forma parte de la constatación de lo real, de la mortalidad, de una distopía que eventualmente prefiguraría el colapso de los sistemas sociales y económicos contemporáneos. The aim of this paper is to propose the idea of anti-monument, in order to rescue and revalue abandoned places and modern ruins and. This new perspective answers to the current need to see contemporary landscapes from a different point of view. Anti-monuments are the “new ruins”, abandoned structures that become obsolete due to its dysfunctionality over time. The change on the social and production systems and the economic crisis of our time produce the proliferation of these unique and paradoxical spaces. These places are full of meanings but awake a different kind of memory than classic monuments. The concept of the anti-monument works in the opposite way to that of the monument, deconstructing its idea. Whereas a monument brings memories of a past time, an anti-monument is rather an image of an –apocalyptic– future process. In the anti-monument, time and memory are reinterpreted according to the new reading codes of contemporary language. While the memory of the monument refers to an ideal and/or an utopia formed by the imaginary of the great events of civilization, in the anti-monument is part of the realization of reality, of mortality, of a dystopia that prefigures the collapse of social and economic systems.

El edificio Positano, proyectado durante la década de 1950 por el arquitecto Luis García Pardo, marca un hito en la arquitectura de la vivienda colectiva moderna en el Uruguay. Para concretar este edificio, el arquitecto -y promotor inmobiliario a la vez- desarrolló una serie de proyectos, identificándose tres proyectos completamente documentados. Esta serie posee un fuerte carácter moderno y experimental, el cual se expresa en la volumetría general, la implantación, en el desarrollo tipológico, el diseño estructural y el diseño de los cerramiento exteriores. El último proyecto, realizado en asociación con el joven arquitecto Adolfo Sommer Smith, comienza a construirse en 1959. La serie de proyectos, evidencia un creciente proceso de “abstracción”, tanto formal como conceptual. Lo cual conducirá por un lado a simplificar formas y reducir elementos, y por otro a diseñar dispositivos de mayor complejidad, capaces de resolver funciones diversas al mismo tiempo. A partir de la búsqueda y clasificación de documentación de época –planos, fotografías, artículos, entre otros–, el presente trabajo intentó ensayar una interpretación proyectual, exponiendo las principales preocupaciones y estrategias de los arquitectos. El ensayo buscó reconocer repeticiones, iteraciones, dudas y certezas de un proceso proyectual intenso, que transitó los bordes de la disciplina. The Positano building, designed during the 1950s by the architect Luis García Pardo, marked a milestone in the architecture of modern housing in Uruguay. The architect –and real estate developer at the same time– designed a series of projects, identifying three fully documented projects. This series has a strong modern and experimental character, expressed in the general form, implantation, typological development, structural system and the facade design. The last project, carried out in association with the young architect Adolfo Sommer Smith, began to be built in 1959. The series of projects reveals a growing process of “abstraction”, formal as well as conceptual. This will lead to simplifying forms and reducing elements; and at the same time designing more complex devices, capable of solving different functions. Starting from the search and classification of original documents –plans, photographs, articles, among others–, this work attempts to try out a project interpretation, exposing the architects’ main concerns and strategies. The essay seeks to recognize repetitions, iterations, doubts and certainties of an intense process, which crossed the borders of the discipline.

Las nuevas cartografías urbanas, que identifican –a veces en tiempo real– la localización de nuevas actividades y recorridos, y que parecen pertenecer en sus atractivas representaciones al más puro estado de lo gaseoso, manifiestan cambios de emplazamiento efectivos respecto a lo previsible. Esta mutabilidad continua de los flujos y las localizaciones, deriva en inevitables readaptaciones de la ciudad real. No solo por las nuevas “lecturas” que de la misma hacemos, y de los nuevos mapas que construimos, sino por la necesaria adaptación de sus estructuras, que pasarán a ser determinadas, no por lo fuerte –trazados e infraestructuras– sino precisamente por lo débil e invisible de la información virtual. No es algo nuevo; los libros de viaje y los planos también modificaron la construcción, primero mental y luego física, de la ciudad. Pero la nueva cartografía constituida por la superposición de subjetividades de millones de ciudadanos, muestran ya la transformación de la ciudad real, y lo hacen a velocidades inimaginables antes, transformando lo estático en dinámico, y forzando a su consideración activa en cualquier futura decisión que afecte al planeamiento y el proyecto urbano. The new urban maps which identify –sometimes in real time– the location of new activities and tours, which seem to belong to their attractive representations of the purest state of gas and manifest effective location changes with respect to the predictable. This is a continuous changeability of locations, and its flows are derived in inevitable adaptations of the actual city. Not only for the new “Interpretational readings” made in the same way and of the new maps which we built, but also for the necessary adaptation of its structures, which will become determined, not by how strong they are –paths and infrastructure– but precisely because of the weak and invisible virtual information. It is not something new; travel books and drawings also modified the construction of the city, first mentally and then physically. But the new cartography formed by the superposition of subjectivities of millions of citizens, show the transformation of the Royal City, and make it to unimaginable speeds ever experienced before, transforming the static into dynamic, and forcing your active account in any future decision that affects its planning and its urban project.

El pasado diciembre se cumplieron 50 años de la formación del grupo Superstudio. El aniversario se presenta como la ocasión para realizar la revisión de algunas ideas que el grupo planteó a través de la obra teórica gráfica del Monumento Continuo. A través de tres diferentes formatos Superstudio representó un trabajo con connotaciones claramente visionarias, que planteaba la propuesta de un objeto al límite de las posibilidades de la arquitectura. Las tres obras se podrían definir como ensayos entrópicos por: la ausencia de una organización sistemática y lineal de las tres representaciones; la composición, que en el caso de las tres obras expresaría la condición de fragmentariedad; la metamorfosis, el proceso continuo en el cual el monumento, el paisaje, la historia sufren incesantes transformaciones; la inestabilidad e indeterminación de los conceptos de memoria, lugar, forma, función, proporcionan un mayor grado de libertad para actuar dentro de sus bases nunca definitivas. La intención del artículo es establecer cómo la obra facilita instrumentos para una crítica contemporánea, el entendimiento del proceso de continuidad y discontinuidad del tiempo moderno y cómo muchas cuestiones actuales se abrieron justamente en este periodo, que como una bisagra sigue uniendo y agitando ambas duradas. Last December, 50 years have passed since the group Superstudio was formed. The anniversary is presented as the occasion to carry out a review of some of the ideas that the group proposed through the theoretical-graphic work of the Monumento Continuo. Through three different formats, Superstudio represented a work with clearly visionary connotations, which presented the proposal of an object within the limits of the possibilities of architecture. The three works could be defined as entropic essays due to: the absence of a systemic and linear organization of the three representations; the composition, which in the case of the three works would express the fragmentary nature; the metamorphosis, the continuous process in which the monument, the landscape and the history suffer unceasing transformations; the instability and the indeterminacy of the concepts of memory, place, shape and function provide a greater degree of freedom to act within their never definitive bases. The intention of the article is to establish how the work provides instruments for a contemporary critic, the understanding of the process of continuity and discontinuity of the modern time and how many of the current issues were started just in this period, which, like a hinge, is still connecting and agitating both intervals.

A partir del supuesto de que la arquitectura y los objetos tienen estatutos ontológicos diferentes, se plantea la hipótesis de que en la sociedad contemporánea los objetos, los artefactos, están acaparando tanto el espacio como la atención del hombre en su vida cotidiana, y que este afán excluyente se produce a costa de la arquitectura. De lo que se induce que el sistema de objetos (Baudrillard) pretende la exclusividad en el suministro de la dimensión simbólica, del sentido que los humanos piden en todo momento al medio en el que habitan. A partir del tema del Cuerpo sin Órganos, sobre el que reflexionaron Deleuze y Guattari, se van analizando las características físicas que el cuerpo humano establece con los objetos y con la propia arquitectura en relación con la fragmentación y del automatismo de lo utilitario. El núcleo de la investigación consiste en poner en relación dos piezas tan importantes para la arquitectura del siglo XX como la Case Study 8 de los Eames y la Casa del Futuro de los Smithson. De ese análisis comparado se obtiene una serie de consecuencias interesantes para comprobar cómo hay dos maneras de afrontar la relación competitiva entre arquitectura y objetos. Cómo hay una manera de hacer arquitectura a partir del diseño para servir a los objetos (Eames); y otra que pretende hacer un gran objeto habitable que absorba a los demás objetos domésticos y que se vuelve paródico al no renunciar a los atributos de la arquitectura (Smithson). From the assumption that architecture and objects have different ontological statuses, there is the hypothesis that in modern society objects, artefacts, are capturing the space and the attention of men in their daily life. This eagerness of appropriation is taking place in detriment of architecture. It seems that the system of objects, artefacts, is pretending to have exclusiveness in the supply of symbolic dimension and the sense that human beings ask to the environment in which they live. From the issue of the Body without Organs, about which Deleuze and Gattari thought, physical characteristics that the human body establishes with objects and architecture itself will be analysed. The core of the study consists in putting into relation two very important pieces for architecture: the Eames Case Study 8 and the Smithson’s House of the Future. From this analysis we will obtain some interesting consequences in order to verify how there are two ways to confront the competitive relation between architecture and objects. How there is a way to make architecture from the design to serve the objects (Eames); and another that pretends to make a great habitable object that absorbs other domestic objects and th

En el Perú, como en otros países de Latinoamérica, la llegada de la arquitectura moderna va a aportar una producción material basada en principios formales abstractos, siendo en algunos casos ajena a la construcción de vínculos de identidad o de pertenencia a las realidades específicas. En cambio, la posmodernidad peruana va a tratar de renunciar al formalismo y simbología como característica física para empezar a descubrir la complejidad en su discurso retórico, sobre el cuál se van a construir relaciones con el pasado, no como referencia histórica, sino más bien como referencia cultural. Mediante la revisión de las obras y proyectos realizados por arquitectos peruanos desde la reforma universitaria de 1946 hasta los años 80, se han podido identificar los cambios en la forma de la arquitectura peruana y el conflicto que se mantiene entre el querer pertenecer al lenguaje universal, al mismo tiempo que se quiere ser parte de la cultura local. Entender este proceso de desarrollo de la forma busca no sólo un conocimiento de la historia, sino también dotar de herramientas y reflexiones proyectuales para la producción arquitectónica contemporánea. In Peru, as in other Latin American countries, the arrival of modern architecture will condition a material production based on formal abstract principles, being in some cases, oblivious to the construction of links of identity or belonging to specific realities. Instead, Peruvian postmodernism will try to renounce formalism and symbolism as a physical characteristic to begin to discover complexity in its rhetorical discourse, on which relations with the past are to be built, not as a historical reference, but rather as a cultural reference. Trough the revision of the works and projects carried out by Peruvian architects from the educational reform from 1946 to the 1980s, it has been possible to identify the changes in the form of Peruvian architecture and the conflict that persists between wanting to belong to the universal language while, at the same time, wanting to be part of the local culture. Understanding this process of development of the form seeks not only knowledge of history, but also provides tools and projective reflections for contemporary architectural production.

La Escuela-Jardín Guadalaviar, emblemática obra del joven Fernando M. García-Ordóñez, es hoy una arquitectura de referencia –uno los nueve proyectos de la Comunidad Valenciana incluidos en la selección ibérica del Docomomo–. Su irrupción en el lánguido panorama arquitectónico de los 50, marcó un punto de ruptura con la tradición constructiva local, permitiendo una apertura a la sinceridad formal, la fluidez espacial y el bioclimatismo. Tras una difícil aceptación inicial, el impacto positivo del proyecto se tradujo en su difusión internacional –L’architecture d’aujourd d’hui; The Architect & Building News, etc.– y en la consolidación de la modernidad en Valencia. El presente artículo reflexiona sobre la pervivencia hasta nuestros días del imaginario arquitectónico de Guadalaviar, a pesar de la desaparición de muchos de sus elementos originales. Además, se analiza la Escuela-Jardín contando con nuevas fuentes primarias: las series fotográficas del seguimiento de la construcción y las memorias profesionales del arquitecto. Junto con la documentación original, se dispone así del marco hermenéutico más completo reunido hasta el momento. Y es que, precisamente a través del constructo originado por la fotografía y su aceptación social, la Escuela-Jardín ha desaparecido y, a la vez, sobrevivido a sí misma. The Guadalaviar Garden School, the emblematic work of the young Fernando M. García-Ordóñez, is today an architectural point of reference –one of the nine buildings from the Autonomous Community of Valencia to be included as part of the Iberian chapter of Docomomo. Bursting onto the languishing local scene of the 1950’s, it gave rise to formal sincerity, special fluidity and bioclimatism in architecture. Following a somewhat lukewarm initial reception, the positive impact of the design could be seen by the international dissemination through publications –L’architecture d’aujourd d’hui; The Architect & Building News, etc.– and in the consolidation of modernism in Valencia. The paper analyses the Garden School using primary unparalleled sources: the series of photographs used to document the construction and the professional memoirs of the architect. Together with the original documents, we now have at our disposal the most comprehensive interpretive framework. Lastly, consideration should be given to the cultural role of Guadalaviar, due to the continued existence of its imagery and despite the disappearance of many of the original architectural elements. And it is precisely through this photographic-based construct that the Guadalaviar Garden School has disappeared but at the same time has managed to survive its own demise.

El presente artículo parte de un análisis sobre la relación entre los límites y la configuración de la arquitectura doméstica, y el tipo de familia que acoge para esclarecer cómo las soluciones espaciales no son más que un reflejo de las relaciones individuales que se dan dentro de estos grupos de convivencia. Arquitectos brasileños del siglo XX, con figuras como Paulo Mendes da Rocha y Vilanova Artigas, consiguieron encontrar y desarrollar una arquitectura propia que reflejaba el latir de una nueva nación. A través de sus propuestas espaciales consiguieron hacer una crítica a la clase burguesa que dominaba la sociedad brasileña desde que se iniciara la colonización americana. Las soluciones espaciales de su arquitectura llevan implícito un mensaje dirigido a toda la sociedad. Para los arquitectos citados, la arquitectura se convierte en un medio capaz de modificar la espacialidad del ámbito doméstico, y con ello las relaciones dentro de los grupos familiares que lo habitan. La manipulación de los límites dentro de la propia vivienda y con respecto al contexto –urbano o natural– plantean un nuevo entendimiento del sujeto dentro de la estructura familiar y con respecto a la sociedad que lo habita. The present article starts from an analysis on the relation between the limits and the configuration of domestic architecture, and the type of family that occupies it to clarify how the spatial solutions are only a reflection of the individual relations inside these groups. Brazilian architects of the 20th century, with figures such as Paulo Mendes de Rocha and Vilanova Artigas, were able to find and develop their own architecture that reflected the beating of a new nation. Through their spatial experiences they succeeded in criticizing the bourgeois class that dominated Brazilian society since the beginning of the American colonization. The spatial solutions of its architecture imply a message addressed to the whole society. For the mentioned architects, architecture becomes a tool capable of modifying the spatiality of the domestic sphere and with it, the relations within the family groups that inhabit it. The manipulation of the boundaries within the dwelling itself and regarding the context –urban or natural– raises a new understanding of the subject within the family structure and with the society that inhabits it

Anne Griswold Tyng (1920-2011), una de las primeras mujeres que estudia en la GSD de Harvard y coautora con Louis I. Kahn del proyecto de la City Tower –entre otras obras–, desarrolla —y patenta en 1949— el proyecto de un pequeño juguete de madera contrachapada cuyas piezas, organizadas en combinaciones diferentes, pueden ensamblarse formando objetos muy diversos. El proyecto, conocido como Tyng Toy, anticipa el pensamiento investigador de su autora sobre la geometría como “principio de la forma” y condensa las inquietudes de la época y el nuevo sueño de la arquitectura americana tras la segunda guerra mundial. El juguete manifiesta una particular visión del papel del arquitecto como educador social y transformador del medio que le rodea y más allá de la necesidad de reconstrucción que reinaba en los años de posguerra, trasciende los imperativos del momento para hablarnos de otra necesidad paralela y universal: la de reconstruir el universo lúdico, imaginario, educativo y proyectual del ser humano. El pequeño conjunto de cinco piezas de madera, como metáfora simbólica, nos habla de un mundo que es también el nuestro: complejo y ramificado, pedagógico y abierto, y en su planteamiento —sintético e intenso— abarca resonancias universales y profundas. Anne Griswold Tyng (1920-2011), one of the first women who studied architecture at the GSD in Harvard, and coauthor with Louis I. Kahn of the City Tower Project –among other works–, designed —and patented in 1949— a small plywood toy, which in diverse arrangements can be assembled in many different ways. The project, known as the Tyng Toy, anticipates Tyng’s future thought and research on geometry as “forming principles” and condenses the concerns of the epoch and the new dream of American architecture after World War II. The toy manifests a particular vision of the architect’s role as social educator and transformer of the environment and, beyond the dominant needs of reconstruction of that time, transcends the imperatives of the moment to speak about a different need, parallel and universal: to rebuild the ludic, imaginary, educative and design universe of the human being. The small five-pieces-set, plywood toy, as a symbolic metaphor, tells us about a realm which is also ours: complex and ramified, pedagogical and opened, and in its approach, synthetic and intense, gathers universal, deep resonances.

Este artículo presenta la primera etapa de la investigación “Prototipo Acústico Adaptable –para espacios multifuncionales–”, desarrollado en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Santiago de Chile. El objetivo de ella ha sido diseñar y construir un dispositivo de geometría articulada que permita calibrar la acústica del espacio, en función de las necesidades de recepción de los usuarios. Se revisa la base teórica de la propuesta a partir del concepto de arquitectura líquida, que en su fundamentación pretende incorporar la dimensión dinámica del tiempo en la condición material de los espacios. Asimismo, se examina el término acústica variable, que aborda técnicamente la versatilidad del acontecimiento sonoro en un despliegue de técnicas activas o pasivas. Luego se presenta la metodología a través del diseño, basada en el modelo propuesto por Lucien Blessing, que formula un proceso desde la definición de los criterios, hasta la concreción formal del diseño en la construcción del modelo. Finalmente, se presentan los parámetros de validación del diseño que apuntan a la prosecución de su desarrollo en una segunda etapa. En ella, el objetivo será optimizar el modelo y mejorar las transformaciones del ambiente acústico material, espacial y temporal, como se ha propuesto. This paper present the first stage of research “Adaptative Acoustic Prototype –for multifunctional spaces–”, developed at the School of Architecture of de University of Santiago de Chile. The main has been to design and build a device of articulated geometry has been developed that allows calibrate the acoustics of the space, depending on users reception needs. The theoretical basis of the proposal is revides from the concept of liquid architecture, which in its foundation seeks to incorpórate dynamic dimensión of time in material condition of spaces. We also examine the variable acoustic term, which deals technically with the verality of sound event in a display of active or passive techniques. Then the research through design metodology is presented, based on the model proposed by Lucien Blessing, which formulates a process from definition of the research criteria until the design and the formal concretion in model construction. Finally, we present the validation design parameters that aim at the continuation of development in a second stage. The objetive will be to model optimize and to improve the transformations of material, spatial and temporal acoustic enviroment, as it has been proposed.